Tout est sculpture.

« Toute idée née dans l'espace, je la considère ; une sculpture », a déclaré Isamu Noguchi.

Tout est sculpture.

« Toute idée née dans l'espace, je la considère ; une sculpture », a déclaré Isamu Noguchi.

ポール・ラ・ロイ・スネルソン IIポール・ラ・ロイ・スネルソン II : بابلو حبيبي الثان

Modus Operandi

L'armée américaine utilise la technologie pour profiler un visage arabe afin de déterminer s'il faut lui tirer dessus ou non. C'est la réalisation phare du programme d'arts et technologies ATEC de l'Université du Texas à Dallas.

En revanche, j’ai proposé que nous utilisions la technologie pour construire l’amour dans le monde entier.

La Tou

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En revanche, j’ai proposé que nous utilisions la technologie pour construire l’amour dans le monde entier.

La Tour de la Réunion symbolise à mon avis l’amour et l’unité mondiale.

Je suis allé en prison et dans des hôpitaux psychiatriques à cause de mes croyances parce que je ne suis pas chrétien et je ne suis pas républicain.

Je suis un citoyen du monde et un démocrate américain qui paie ses impôts et qui possède une pierre précieuse en saphir bleu cobalt.

À travers le langage universel de la sculpture, je vous prie de considérer la validité de mon point de vue.

Arrêtons la polarisation de l’art contre la violence mortelle.

En Anglais:

HE+ART=HEART

LUI+ART=COEUR

Pour résumer, c'est dans les paroles de votre hymne national et je cite :

« et les fusées rouges, les bombes qui explosent dans l'air en ont donné la preuve ; »

Ce qui vous hypnotise et vous fait croire que c'était le plan de Dieu que nous bombardions le Japon, regardez, voilà le drapeau.

S'il vous plaît, considérez-moi comme un agent de construction et de créativité.

J'ai des idées et je cherche à proposer des solutions pour la durabilité de ce vaisseau spatial Terre ou de ce qu'il en reste.

La polarisation n’apportera jamais l’harmonie.

J'ai construit métaphysiquement l'amour à travers le monde.

Je vous supplie de ne plus me faire de mal.

L'ironie est que Texas signifie étymologiquement ami. Je vous mets tous au défi de le prouver.

Mon art est de l’énergie capturée en deux, trois et quatre dimensions cybernétiquement.

La grille est une forme universelle qui relie toutes les pensées.

Un exemple concret serait une bibliothèque avec des données organisées en rangées et en colonnes, des piles et des piles de pensées.

Un autre exemple de l'utilisation d'une grille en deux dimensions serait la toile d'un tableau avec les fils tissés dessus et dessous dans une minuscule grille ou les pixels sur cet écran lui-même disposés en rangées et colonnes très serrées pour former une autre grille.

En ajoutant de la profondeur, la troisième dimension, on trace un plan dans l'espace. En trois dimensions, on parle d'un « voxel », comme en architecture et en sculpture.

Soudain, vous voyez la relation entre deux ou trois dimensions.

Maintenant, la quatrième dimension est la dimension du temps comme une bande dessinée organisée en rangées et en colonnes, un storyboard.

Notez que le temps lui-même peut être tracé sur une grille telle qu'une portée musicale et que tout le chaos apparemment aléatoire et musicalement syncopé peut être surveillé sur une portée ou une grille.

Imaginez votre propre rythme cardiaque surveillé comme la vie elle-même, contenue dans une grille.

Nous apprenons de l'érudition cybernétique de Norbert Weiner qui a écrit que tout changement peut être représenté sur une matrice, donc la matrice est la seule chose qui ne change pas.

En fait, cela nous permet de naviguer à travers toutes sortes de chaos, de diversité apparemment chaotique et d'événements aléatoires, sans la grille, où nous sommes perdus. En réalité, perdus dans l'espace et le temps.

On pourrait donc affirmer que la grille elle-même est en effet un dispositif d’orientation pour la vie et la créativité, elle permet à l’artiste de naviguer et de traduire à travers plusieurs supports différents en même temps.

Les supports bidimensionnels tels que la peinture peuvent être facilement traduits en supports tridimensionnels tels que la sculpture ou en supports abstraits basés sur le temps en quatre dimensions tels que la poésie et la musique.

Ce sont des médiums à quatre dimensions.

Tandis que lorsque nous revenons graphiquement en arrière, nous revenons à deux dimensions qui surveillent les coups de pinceau qui forment des caractères dans un système fixe.

D'autres exemples plus évidents de structures alphabétiques démontrant ce fait incluent l'ancienne langue des caractères chinois brossés sur du papier de riz, les hiéroglyphes égyptiens gravés sur des tablettes de pierre, l'écriture cunéiforme également gravée sur des tablettes de pierre contenues dans une grille en rangées et en colonnes.

La langue elle-même existe dans une grille, cette page elle-même est contenue dans un format rectangulaire, il n'y a pas à le nier, elle est juste devant votre visage, l'endroit où vous vous trouvez actuellement est tracé sur un graphique en trois dimensions.

Les lignes de longitude et de latitude à angle droit circonscrivant le globe.

Vous êtes pris dedans, soyez-en conscient, trouvez les possibilités infinies dans les paramètres.

Entre les deux points de la vie et de la mort, il existe une infinité de possibilités, innombrables, dans la boîte de notre vie apparemment finie elle-même.

Il n'y a rien de tel qu'en dehors de la boîte, tout est contenu dans une autre structure, c'est indéniable.

Nous ne pouvons même pas mesurer une année-lumière sans un système de navigation ou un graphique de mesure.

La matrice sans la structure mathématique de La matrice.

On ne peut pas imaginer de manière constructive, en fait on ne peut pas imaginer du tout sans les frontières qui permettent la conscience du sculpteur ; ou le sens de la forme.

Sinon, ce n'est que de l'énergie pure sous forme d'éclair liquide et comment capturer cela avec un appareil photo ? L'ère de la matrice de l'art cybernétique est l'ère CAM.

Donc : tu es dedans maintenant Dis : « Fromage. » Réfléchis-y ; de la même manière qui a déplacé le mien ?

Modus operandi

Un livret en deux actes

-Paul L. Snelson, II

Pablo Habibi Deuxième, PhD

'A priori'

Acte I

Cette histoire a commencé en 1968, à l'époque de la mini-jupe, de l'alunissage, de l'assassinat de JFK, du meurtre d'Andy Warhol par Valerie Solanis, de l'ascension du tristement célèbre « Velvet Underground », du suicide de Lee Harvey Oswald, de la chanson des Temptations « Papa was a Rolling Stone » qui s'ouvre par « It was the third of September… » (C'était le 3 septembre…). C'est le jour de ma naissance. Depuis, rien n'a plus jamais été comme avant.

Il y a toute cette lumière, les images de dessins animés, l'invention de Sesame Street qui attire les enfants à New York, tels des pèlerins à La Mecque ; les paroles apparemment innocentes de la chanson thème : « Peux-tu me dire comment aller à Sesame Street ? » Changez de chaîne sur votre télévision câblée et voilà « Dragnet ». Elle dit aux adultes de tous les autres États d'Amérique, tous ceux qui vivent hors de « la Grosse Pomme », de se tenir à l'écart.

Ces deux messages subliminaux télévisés peuvent donc avoir un impact considérable sur le développement du cerveau d'un enfant. D'un côté, New York est la Cité Émeraude des rêves, le centre de la culture américaine, mais de l'autre, c'est un véritable égout souterrain de criminalité, de danger et de mort. Mon voyage a commencé à plusieurs milliers de kilomètres au sud-ouest, près des dunes de sable de Monahans, au Texas, un paysage lunaire plat et ouvert, subtilement interrompu par les buissons de mesquite et le balancement rythmé des pompes à chevalet le long des autoroutes, pompant l'or noir du sol vers les pipelines et les usines américaines. Cette histoire, comme celle de n'importe qui d'autre, est remplie de joie, de déception et de désespoir. J'aimais dessiner et j'aime toujours.

Enfant, je dessinais beaucoup de clowns sur des sacs en papier. Je commençais par un nez rouge vif au Crayola, comme le drapeau japonais. Rouge comme la cape de Superman. Rouge comme la chevauchée nocturne de Paul Revere qui criait : « Les manteaux rouges arrivent ! » Rouge comme une grande tablette de chef en CP. Rouge au crayon Crayola, Rouge comme les nez triangulaires de Raggedy Ann et Andy, Rouge comme la soupe aux tomates Campbell, Rouge comme une boîte de raisins secs Sun Maid, Rouge comme un camion de pompiers, Rouge comme un feu rouge, Rouge comme le sang de Jésus coulant de sa couronne d'épines, Rouge comme les feux arrière de la Cadillac rouge de ma grand-mère.

Rouge comme le soleil qui se lève dans le désert, Rouge comme une Tootsie Pop, la petite Corvette rouge, rouge comme les chaussures du pape, Rouge comme le rouge à lèvres de Paloma Picasso, la rose rouge de Sharon, La lettre écarlate, les pantoufles rouge rubis de Dorothy, Rouge, comme mes fautes d'orthographe entourées de rouge, Rouge comme le parti républicain qui divise le pays en deux à travers le cœur du pays, Fraises, canneberges à Noël, le Père Noël dans son costume rouge vif, Rudolph le renne au nez rouge, Rouge comme un pointeur laser, Rouge comme la langue de Mickey Mouse, Rouge comme Tabasco, Salsa tomate rouge au Chili's Bar and Grill, Red Hot Chili Peppers, Bonbons Tamales à la cannelle et au rouge piquant, Rouge tarte aux cerises,

Rouge comme des yeux injectés de sang après avoir veillé tard à écrire, rouge comme une dette qui s'alourdit, rouge grenade. Après le nez rouge, je commençais à peaufiner le maquillage et l'expression, des yeux turquoise de clown de cirque bleu, avec de grands yeux écarquillés, un regard joyeux, et des cheveux roses et oranges sauvages.

C'était comme un rituel zen mêlé d'une pointe de sorcellerie, esquissant le « moi » que j'espérais être. C'était une forme précoce d'épanouissement personnel. Je n'ai jamais arrêté. J'ai continué à dessiner et à peindre à l'aquarelle et à l'acrylique, avec des couleurs vives, et finalement l'iPad est devenu ma toile. J'aime réaliser les personnages imaginaires qui se cachent dans mon esprit et me dessiner aveugle.

C'est une bonne utilisation de mon temps. Très jeune, ma mère m'a offert un livre sur Picasso. Peu de temps après, il est décédé. J'étais dévasté, mais je m'en suis remis. J'étais un grand enfant avec un caractère d'enfant. Un corps de sixième avec une âme de maternelle. J'ai dû apprendre très tôt à garder mes sentiments pour moi. Je continuais à dessiner en souriant comme Bozo, Ronald McDonald ou Crusty. Walt Disney était aussi l'un de mes grands héros.

J'adorais les spectacles du dimanche soir au Magic Kingdom. Enfant, je rêvais de dessins animés en Technicolor, pétillants et lumineux. Ma vision du monde était aussi étroite et bornée qu'un dessin au crayon, et aussi vaste qu'une feuille blanche, comme le paysage de l'ouest du Texas vu en voiture sur l'autoroute 80 ;

illuminé par un coucher de soleil magenta et rose vif comme le bol de sorbet à la framboise et à l'orange de Dieu se fondant lentement dans le ciel nocturne sombre généreusement saupoudré et scintillant de quelques étoiles scintillantes brillantes sur la ceinture d'Orion.

Ce sentiment de concentration, de détermination et d'émerveillement absolu face au monde, voilà ce que je ressentais. Je ne peux pas vous dire où j'allais, mais je savais qu'une fois sur place, je saurais au fond de moi que c'était l'endroit idéal. Je voulais m'enfoncer dans les profondeurs de l'océan et dans l'espace.

Je me souviens des visages souriants de mon enfance et des froncements de sourcils occasionnels des entraîneurs et des professeurs, déçus par mes réponses en classe ou par mon manque de rigueur. Je continuais à dessiner et à exprimer mes sentiments jusqu'à ce que le moment idéal arrive et passe, tel le raz-de-marée de l'ouragan Katrina, un tsunami qui m'a coûté tout mon temps et mon argent.

J'avais l'impression, à travers mon esprit d'enfant, de développer ce langage universel des arts, où il n'y a aucune distinction entre les mots, les images ou la musique. C'est un immense multivers.

C'est le langage des arts, un langage que je cultive tant dans mon esprit que dans mon cœur. J'ai passé beaucoup de temps à réfléchir à ce que je laisserais derrière moi, pour me guider sur ce chemin, tandis que tout le monde riait de l'aspirant « artiste jeune ».

Je n'aurais jamais cru que ce projet fût si diabolique. Le jeune artiste cherchant à le devenir. Je me voyais comme « l'artiste en jeune homme ». J'ai trouvé un lien affectif entre les créations picturales, l'architecture, la musique et la sculpture, le tout résumé en « Kanji », l'alphabet japonais. Être un moine avec un pinceau en bambou encré, créant de nouveaux caractères, des icônes représentant des idées et des idéaux, me plaît toujours autant ; et lorsque je prends le pinceau, ou la souris, c'est toujours un véritable frisson.

Je continue à observer les visages et les expressions, mais je limite aussi ces séances. J'essaie de sourire et de hocher souvent la tête.

Le clown cosmique de mon cœur m'accompagne toujours. Je considère le shopping comme un exercice créatif ou un exorcisme. Snuffalupagus échappe toujours à Big Bird. Oscar est toujours grincheux. Cookie Monster mange tout. Burt et Ernie dorment dans des lits jumeaux séparés, ornés d'un monogramme, reliés par une seule syllabe : leurs initiales disent tout : « SOIS ».

Alors, comment expliquer une vie ? Non. On la vit, tout simplement, et on avance. Tout finit par s'arranger, et si ça ne finit pas, ce n'est pas la fin.

Alors, juste avant ma douzième année sur terre, mon père m'a demandé, près du poteau de clôture de l'enclos à vaches, si je voulais déménager en Arabie Saoudite et recommencer à zéro.

J'ai accepté. Nous avons donc fait nos bagages et déménagé à Ras Tanura, en Arabie, à l'été 1980. Mon adolescence s'est déroulée dans une école américaine internationale, genre « Le monde est petit ». Mes amis venaient du monde entier. J'ai développé un accent homogène. J'ai continué à dessiner et à chercher. J'ai créé mon propre alphabet de dessins animés, une forme de portrait hiéroglyphique, un amalgame du nom d'une personne, dont les lettres étaient composées des symboles de ses centres d'intérêt, à l'encre et à l'aquarelle. Je séchais les cours pour travailler sur ces dessins et facturais cinq dollars par lettre.

C'était une petite activité artisanale plutôt lucrative pour moi et je demandais rarement de l'argent à mes parents. J'avais toujours le dernier Walkman, le modèle étanche. Je gardais mon argent dans une boîte à biscuits danoise bleue sous mon lit, en lieu sûr. La monnaie en Arabie saoudite s'appelle le riyal. Dans les années 1980, il y avait environ trois riyals et demi pour un dollar américain. Les riyals sont plus grands que nature, aux couleurs vives et ornés d'un fil argenté tissé dans le billet. Donc, dans leur culture, il y a vraiment un côté positif. Je pensais que l'« artiste » était le génie suprême, le serviteur de l'État, celui qui réalise les rêves. Je le pense toujours.

Le problème, c'est qu'il existe un conflit constant dans la démarche artistique entre le désir, le besoin et l'urgence de créer quelque chose de nouveau. Un jour, à la bibliothèque de Dhahran, alors que mon père était hospitalisé pour un collapsus pulmonaire, j'étudiais le japonais avec une femme nommée Temmoku Dykes et l'algèbre cet été-là, tout en cherchant à développer mon langage et ma voix d'artiste. Je cherchais une unité synthétique entre les mathématiques et les forces de la nature. La carte tridimensionnelle qui illuminerait les images dans mon esprit.

Ce que nous cherchons, nous le trouverons. Je suis tombé par hasard sur un livre consacré à Isamu Noguchi. C'était un sculpteur qui vivait alors à New York. Son œuvre était la cristallisation de mes pensées enfouies au plus profond de mon cœur. Un mariage d'artisanat oriental ancien et de formes modernes.

L'organique et le géométrique ; la structure et le mouvement, le temps mesuré associé aux vents, aux marées et aux courants. J'étais enchanté. J'ai redoublé d'efforts en cours de japonais et développé une véritable affinité avec l'écriture. J'ai rédigé une dissertation pour l'Université Yale sur le mariage de la forme et du fond, l'unité synthétique des principes de composition japonais qui, dans mon esprit naïf, étaient inextricablement liés à ceux de Mondrian et de Picasso simultanément. Mon dernier héros, Isamu Noguchi, semblait incarner le meilleur de tous ces mondes. Son prénom signifie courage. Après mon bac, je suis devenu apprenti sculpteur dans le Connecticut.

J'aspirais secrètement à partir et à devenir l'assistant d'Isamu Noguchi. Yale a rejeté ma candidature. J'ai envoyé une photocopie de la même dissertation à l'université Carnegie Mellon, et j'ai été accepté, malgré le code « Yale » en en-tête de chaque page. Une fois mon travail terminé dans le Connecticut, je me suis rendu au musée du jardin Isamu Noguchi. C'est là qu'à dix-huit ans, en 1987, l'année de la mort d'Andy Warhol, j'ai rencontré Alexandra Snyder et lui ai demandé si M. Noguchi avait besoin d'un assistant. Elle m'a répondu : « Si les étoiles sont bonnes… »

Cette déclaration a allumé un petit feu dans mon esprit et mon cœur et a déclenché une urgence comme allumer une mèche, comme un milliard de lucioles, comme des bougies dans la cathédrale Saint-Paul qui brûlent toutes simultanément, comme Hiroshima et Nagasaki, comme le lever du soleil sur l'océan reflétant le feu sur les vagues de la mer, le feu de la rage, la chaleur comme l'été dans le désert d'Arabie qui brûle vos pieds, le feu comme le souffle de Godzilla, le feu comme les avions qui s'écrasent sur les tours du World Trade Center, le feu comme la navette spatiale qui explose, le feu qui a brûlé le paysage de l'ouest du Texas d'Alpine à Fort Davis et Presidio, le feu au bout de votre cigarette Marlboro Red rouge cerise qui brûle lentement.

À mon arrivée à Carnegie Mellon, dans le chaos frénétique de l'inscription à un nouveau programme d'art pour les étudiants de première année, j'ai rencontré Orville Winsand, alors directeur du département d'art, et je lui ai demandé de signer le formulaire qui m'autoriserait à étudier le japonais parallèlement au programme d'art.

Il m'a dit : « Écoute, je sais que tu es motivée, mais il y a des choses qu'on ne peut pas faire. » Il a fait une grimace de dégoût en parlant. Ce conflit a été l'étincelle qui allait changer ma vie à jamais et plus rien ne serait comme avant. J'étais en colère. J'étais en colère contre l'argent que ma famille dépensait pour une éducation qui ne correspondait pas du tout à mes attentes.

J'avais choisi l'université Carnegie Mellon. Pas les limites étroites de Carnegie Tech ; après tout, si j'avais simplement voulu suivre une formation unilatérale en arts visuels, je serais allé à Cooper Union à New York avec tous mes amis. J'ai craqué. J'ai craqué, craqué, craqué, comme un métronome, une bombe à retardement, et dans le bureau du doyen des affaires étudiantes, j'ai explosé de rage. Cette expérience m'a fait douter de moi-même en tant qu'artiste et m'a fait rejeter avec prudence mes idées audacieuses, originales, inventives et stimulantes.

J'avais honte.

Je suis rentré au Texas. Mon père avait été « mis en disponibilité », une « réduction d'effectifs » de son poste en Arabie saoudite. Quelques jours plus tard, ma grand-mère m'a lu l'article du journal américain d'Odessa, en première page, annonçant le décès d'Isamu Noguchi. Je lui ai envoyé un lys blanc dans une boîte dorée.

J'ai lentement reconstruit ma confiance et mon caractère et, après neuf ans d'études, j'ai finalement rempli les conditions requises pour obtenir ma licence en beaux-arts à Carnegie Mellon. PAGE 8 J'ai enseigné les arts visuels dans un programme d'été catholique et j'ai été licencié suite à un malentendu. J'ai finalement capitulé et j'ai finalement abandonné toute tentative de percer dans le Nord-Est. Je suis rentré chez moi dans l'ouest du Texas et j'ai réinventé ma carrière de professeur d'art tous niveaux. J'ai repris plusieurs des cours que j'avais échoués à l'université Carnegie Mellon à l'université d'État Sul Ross et j'ai obtenu ma certification à vie de professeur d'art tous niveaux de la maternelle à la terminale.

J'ai été embauché à l'été 1998 dans une petite ville près de la frontière du Nouveau-Mexique, Denver City. Vers la fin de ma première et dernière année, les étudiants se rassemblaient autour d'un des rares feux de circulation de la ville et jetaient des pierres sur ma Mustang argentée de 1998. Le week-end de l'accident de Columbine, une pierre a brisé ma vitre côté conducteur.

J'ai cru qu'on m'avait tiré dessus. À partir de ce moment-là, je n'ai fait que montrer des cassettes vidéo et j'appelais souvent malade le vendredi, ce qui a empêché le renouvellement de mon contrat. J'ai pris mon argent de poche pour l'été et je suis venu à Dallas vivre chez ma sœur à Addison. J'ai trouvé un emploi d'agent de sécurité et j'ai travaillé de nuit, de 7 à 19 heures. J'ai ensuite cherché un emploi de graphiste débutant et j'ai décroché un entretien à Irving, ville natale de Lee Harvey Oswald.

L'entretien a eu lieu avec une jeune femme aux cheveux blond platine et aux cheveux bruns, travaillant chez Verizon Information Services, aussi connu sous le nom des Pages Jaunes. J'étais graphiste débutante pour les produits imprimés de Verizon Superpages. Je réalisais des publicités pour les Pages Jaunes. Je devais en créer au moins huit par jour. C'était un travail formidable. Cinq ans plus tard, j'ai été promue au service de formation graphique en tant que spécialiste de la documentation. J'ai ensuite rejoint le siège social et je me suis liée d'amitié avec des graphistes de tout le pays. C'était très loin de Pittsburgh, en Pennsylvanie.

En 2008, le public s'est tourné vers Google et les smartphones sont devenus de plus en plus omniprésents. L'entreprise a donc délocalisé mon travail en Inde. J'ai rejoint Barnes and Noble et j'ai repris mes études pour obtenir un master en beaux-arts, spécialité art et technologie, à l'Université du Texas à Dallas, mais je n'ai toujours pas trouvé d'emploi.

J'ai continué à travailler pour Barnes and Noble jusqu'à la fin de mon assurance maladie et je travaille aujourd'hui à temps plein pour l'État du Texas en tant qu'associé administratif et comptable au Centre de recherche et de vulgarisation agricole de Texas A&M, sur les rues Coit et Campbell. Ce travail m'a permis de reprendre mes études, à plusieurs reprises, pour réaliser mon rêve de toujours : devenir docteur en beaux-arts, en esthétique. Je m'accroche encore, avec une poigne de fer, aux idées que j'avais en coulisses en 1987 sur la nature du langage de la structure dans les arts et les sciences.

Cela a été un voyage passionnant et stimulant et cela n'a pas encore fonctionné, mais d'une manière ou d'une autre, cela fonctionnera, à la fin et si cela ne fonctionne pas, ce n'est pas la fin.

Modus operandi

Un livret en deux actes

-Paul L. Snelson, II

« A posteriori »

Acte II

Isamu signifie courage.

Isamu Noguchi est né le 17 novembre 1904 à Los Angeles, en Californie. De son vivant, il a exprimé par la sculpture des idées qui ont conservé une actualité durable.

Cet article explore l’origine, l’évolution progressive et la fonction du graphique, de la grille, du filet, la matrice complexe qui régit toute civilisation de l’Est à l’Ouest et dans l’état d’esprit mondial.

Cet état d'esprit est un outil pour naviguer, documenter et créer des œuvres d'art utiles, alliant forme et contenu, structure et spontanéité, pour les générations futures. Tous les phénomènes existent dans un système tridimensionnel de coordonnées qui contient la réalité. Imaginez-le comme un graphique formant un échafaudage, un système ordonné de cases, un cadre rectiligne, ou simplement un tableau tridimensionnel. Il forme une sorte de gratte-ciel, un réseau infini de Rubik's Cubes imbriqués qui contiennent et nous permettent d'imaginer tout, de la molécule à la Voie Lactée et au-delà.

Le sens de la structure clarifie la pensée et permet à l'imagination de communiquer. Je suis structuraliste. En tant que structuraliste, je cherche à équilibrer un sens aigu du contrôle avec une spontanéité improvisée, afin de capter l'énergie. C'est une métaphore importante pour mon travail et ma vie d'artiste. L'expérimentation avec les médias électroniques m'a permis de découvrir un principe fondamental : l'effet fascinant de l'immobilité sur le mouvement lorsque des forces opposées se complètent. Cette idée de complémentarité s'applique à tous les langages artistiques.

C'est cette fascination pour le statique, alliée aux éléments cinétiques, qui intègre l'art et amplifie tous ses contrastes, ses variations et ses subtilités, ses qualités géométriques et organiques. J'en suis arrivé à la conclusion que la structure, dans l'art comme dans la vie, est cruciale ; c'est un outil d'orientation pour la créativité.

Elle permet d'exprimer ses convictions les plus profondes et de concrétiser ses rêves. C'est une carte, une géographie de l'esprit, qui permet d'envisager simultanément de multiples facettes du sens. Il est démodé de penser en termes de famille ou de nation. Il faut œuvrer ensemble dans le respect mutuel et vers un objectif commun : la paix.

L'humanité a besoin d'une coopération plus authentique. Chaque individu possède sa propre version de la réalité, ou son propre point de vue, fondé sur l'expérience et la mémoire. Chacune de ces réalités distinctes est valable pour chaque individu et doit être respectée et reconnue lors des échanges.

Il y a des moments où les individus partagent une expérience.

Lorsque la réalité de chaque individu rencontre le même phénomène, comme une chanson, un tableau, un film, etc., c'est un repère dans la mémoire qui offre l'occasion de se connecter à un autre individu. Pourtant, l'expérience de chaque individu est unique et donc précieuse. « Ah, alors vous aimez Picasso aussi ? »

Lorsque des individus partagent une expérience, ils se sentent connectés d'une certaine manière. Récemment, un nouveau réseau de conscience collective semble se développer, où chaque individu partage tellement que ses souvenirs et ses créations s'intègrent à la culture contemporaine et sont ensuite archivés dans les vastes bases de données mémorielles des « bibliothèques et musées » du futur numérique en ligne.

Le cloisonnement est omniprésent. Tout est emballé. Comme les chaussures, les œufs, même les gens vivent dans des boîtes et, à leur mort, on les enterre. En consultant le calendrier ou le tableau périodique, on voit des carrés partout. Sur le carrelage des salles de bain, et sur des kilomètres et des kilomètres de rues, d'autoroutes, de pistes d'atterrissage et de voies ferrées s'entrecroisant à angle droit partout dans le monde. À l'aube de l'histoire de l'humanité, il y a de nombreuses années, on a découvert que l'écriture… (Ou était-ce le dessin ?) Quelle est la différence entre le dessin et l'écriture ? Quand ces deux activités sont-elles devenues des pratiques distinctes ?

Quand avons-nous cessé d'inventer des lettres, des sons et des caractères pour les représenter ? En anglais, par exemple, qui a décidé que vingt-six lettres suffisaient ?) – a probablement été inventée avec un bâton grattant la terre, des images ont été peintes sur les parois des grottes, puis gravées dans des pierres, puis sur la peau, puis plus tard, des fibres végétales ont été pressées pour en faire du papier et tissées en un tissu, un réseau, une matrice, un graphique, un rideau flottant, une tapisserie, une courtepointe, un écran, une toile de fond, un tissu, une grille de fils, un drapeau flottant au vent, et plantées sur la lune.

Considérez tous les livres et les mots écrits : quelle que soit la langue, il s’agit essentiellement de combinaisons arbitraires de symboles fixes formant des motifs, disposés dans un sens ou dans l’autre dans un espace rectangulaire, graphiquement, sur des pages reliées à droite ou à gauche, avec un titre au dos, selon une configuration rectiligne. La grille est une image, un symbole, une force structurelle imaginaire sous-jacente qui sous-tend l’art, la musique, la danse, la poésie, la sculpture, l’architecture, la science et tous les langages de la pensée humaine.

C'est à partir de ce fondement de l'ordre graphique que nous pouvons commencer à discerner des similitudes et des schémas de pensée, tant dans les deux dimensions planes de la composition verticale et horizontale que dans la profondeur de l'espace sculptural et architectural, et dans la quatrième dimension du temps. Ces concepts sont les éléments constitutifs de l'imagination créatrice.

Cette mentalité matricielle, cette structure de carte, la géographie, le tableau périodique, le calendrier, la puce électronique, l'échiquier, le plan, ce tableau tridimensionnel où des formes uniques ne peuvent être imaginées que dans les limites de la structure, sur l'écran, dans le cadre d'une image, le système de coordonnées, l'échafaudage, la portée musicale des lignes de longitude et de latitude qui circonscrivent la Terre avec cette grille ancestrale qui régit et détient la clé d'une imagination unie. En tant qu'artistes, notre objectif devrait être d'aider notre planète et ses habitants à œuvrer ensemble, avec une imagination unie, pour le bien et la prospérité de l'avenir.

Il est temps pour tous, hommes, femmes, enfants et tous ceux qui se trouvent entre les deux de venir en aide à notre planète. Isamu Noguchi est né à Los Angeles, en Californie, le 17 novembre 1904, d'une mère américaine et d'un père japonais. Imaginez un être humain doté des gènes de la liberté de l'Amérique, de toutes ses possibilités et de l'ancien ordre graphique structurel du Japon, inscrits dans son ADN. Son prénom signifie courage.

Sa première sculpture était une vague en céramique émaillée d'un bleu éclatant. Peu après son enfance, sa mère le sollicita pour concevoir leur nouvelle maison en construction à Chigasaki, au Japon. C'est la dualité de ces deux forces créatrices, la liberté et le mouvement de la vague bleue, associés à l'architecture et à la planification graphiques des structures, ainsi qu'aux lignes droites de la menuiserie, qui façonnent certaines des œuvres les plus stimulantes de sa carrière.

C'est sa persévérance dans sa créativité originale qui nous inspire le plus. Il n'a jamais dévié de l'idée d'ondes et de grilles tout au long de sa carrière. Le naturel et l'artificiel sont au cœur de toute son œuvre. Très tôt dans son développement créatif, il a inventé l'assemblage de dalles de pierre plates aux fentes taillées avec précision, équilibrant avec soin des formes organiques et biomorphiques dans un format et une structure essentiellement cubiques.

Dans ses sculptures en pierre assemblées, réalisées vers la fin de sa carrière, les pierres verticales présentent des surfaces lisses, sculptées industriellement, associées à des blocs bruts de pierre naturelle. L'idée d'un système ordonné et de toutes ses variables pourrait s'appliquer à la musique, à la poésie, à la sculpture, à la peinture, à l'architecture ; presque tout ce que l'on connaît existe dans une autre structure. L'opposition entre action aléatoire et forme géométrique illustre encore l'ironie et la brièveté de la vie. C'est une vision où même l'événement le plus banal semble résonner en accord avec un chant universel. Il y a aussi l'idée du langage. Le langage de la forme est celui que Noguchi articule visuellement avec les moyens d'expression les plus directs et les plus économiques, mais aussi les plus généreux.

Cette juxtaposition de ces principes simples conduit, à un niveau associatif, à comprendre le langage comme un système d'ordre construit arbitrairement. PAGE 15 Telle est la structure des imaginations unies. Il devrait y avoir un forum international pour discuter des origines de l'art et de la direction du progrès.

Je construirais une structure pour la conférence. Elle serait constituée de tubes d'acier inoxydable brillants disposés en grille pour former un échafaudage, un simple échafaudage cubique qui servirait non seulement de sculpture, mais aussi d'architecture, d'instrument de musique, de diapositives, d'écran de cinéma et de vidéo, de décor de théâtre et de toile de fond. En résumé, l'échafaudage serait le point central d'une performance, une sorte d'opéra sur la civilisation, la pensée créatrice, la musique, l'art, la littérature, la science et la technologie. L'opéra serait aussi une sorte de cérémonie rituelle, l'inauguration d'une œuvre d'art extrêmement spartiate, littéralement dépouillée de ses éléments.

Le rituel de l'opéra aiderait le spectateur à appréhender la grille telle que je la perçois, comme une forme universelle reliant toutes les pensées. Le dévoilement commencerait par un film sur l'aube des temps, l'étincelle initiale qui déclenche le big bang où l'univers tel que nous le connaissons est né, puis par un petit dessin animé représentant la Terre vue de l'espace. Sa surface, ses océans et ses continents seraient délimités par des lignes de longitude et de latitude. Ces lignes seraient ensuite pelées comme une orange, puis étirées pour former un échafaudage cubique.

Ensuite, des écritures cunéiformes, des hiéroglyphes, des caractères chinois, des nombres, des calendriers, des graphiques, des cartes et ensuite une myriade d'images et de transformations apparaissaient image par image pour illustrer le concept de grille et sa fonction de forme de connexion de pensée universelle jusqu'à ce que le public soit tellement bombardé d'images que l'écran finit par se brouiller et exploser, pas réellement, mais le film se terminait par l'image d'une explosion.

L'écran avance ensuite après le film et se révèle lentement comme un véritable échafaudage. À l'intérieur, une personne très sombre, dans l'ombre, frappe la structure en acier inoxydable avec un bâton, produisant un son à la fois percussif et semblable à celui d'une cloche, servant de métronome à toute la pièce. Plus tard, d'autres artistes se joindraient à différents niveaux, intervalles et zones, qui s'illumineraient tandis que des orateurs, des philosophes, des scientifiques et des poètes prendraient la parole, faisant partie intégrante de l'action.

Les danseurs semblaient alors se fondre parmi les autres, s'échappaient de leurs cellules, grimpaient dessus, rampaient et dansaient tout autour de la structure. À un moment donné, deux chanteurs chantaient dans deux langues différentes, puis des couples les rejoignaient en duo dans d'autres langues, jusqu'à ce que chacun chante dans sa propre langue. Ce chant ressemblait à une cacophonie harmonique de consonnes et de voyelles chaotiques, se transformant en un langage imaginaire, puis se dissolvant en « ah » et « mmm », et tous les participants sur scène se tenaient la main et encerclaient la structure, tel un sanctuaire idyllique représentant des imaginations unies.

Finalement, les lumières, les lasers et le brouillard fusionneraient dans une sorte de rhapsodie numérique électronique et rouge pulsée, et la chose en acier inoxydable s'élèverait et serait à nouveau voilée dans un voile blanc opaque et se déplacerait à nouveau vers l'arrière pour devenir une partie du théâtre, l'écran, la toile de fond, disparaissant simplement dans un mur ordinaire invisible.

Et avant que le public ne s'en rende compte, avant que la chanson ne se termine sans applaudissements ni pause, un changement immédiat de décor avec une transition instantanée, la conférence commence. L'orateur est un artiste, un poète, un physicien ou un astronome qui parle de créativité en utilisant la vidéo, des diapositives et un pointeur électronique et le public regardera attentivement. Ils regarderont l'écran parce qu'ils sauront ; ils auront vu la beauté qui se cache derrière. PAGE 17 Le prénom d'Isamu Noguchi signifie courage et c'est ce qu'il nous a donné.

Son art remonte à la créativité réfléchie et construite à l’origine de son enfance et se projette dans l’avenir de l’espace et la finesse d’acier de l’ère technologique.

Ce n'est pas un hasard si les studios d'Andy Warhol et lui-même avaient tous deux des intérieurs peints en argent pour éviter les ombres. Isamu a certainement laissé une voie que nous devrions tous suivre, un voyage créatif sans frontières vers notre véritable moi et vers l'avenir avec courage.

Suite aux récentes catastrophes, tremblements de terre et tsunamis au Japon, l'heure est venue pour l'humanité entière de faire preuve de courage et de créativité pour affronter de manière constructive les problèmes de coexistence avec les forces de la nature. La structure, visible et métaphorique, régit toute pensée.

L'objectif est de fournir au spectateur des outils pour découvrir, explorer, inventer et réévaluer l'idée de liberté au XXIe siècle. « 1984 » de George Orwell semble être devenu non seulement un avertissement, mais aussi un modèle. La véritable liberté ne réside plus désormais que dans les carnets de croquis et les crânes de la communauté créative mondiale.

Comment la structure et les paramètres évolueront-ils, seront-ils recréés, repoussés et redéfinis à l'avenir ? Les efforts créatifs impliquent toujours des paramètres et des limites. Le monde des arts est un espace de recherche sûr où tout peut arriver.

Des possibilités infinies se cachent dans les paramètres. Imaginer et visualiser chaque être humain comme un artiste nous donne du pouvoir et nous offre à tous une liberté infinie, vaste et vaste, dans le temps et l'espace, minuscules et limités, de nos vies.

Nous naissons dans des boîtes appelées berceaux, vivons dans des boîtes appelées bâtiments, roulons dans des boîtes appelées voitures, volons dans des boîtes appelées avions et décollons dans des boîtes appelées navettes spatiales et sommes enterrés dans des boîtes appelées cercueils.

Le but ultime de l'opéra épique de la vie de chaque artiste est de penser non seulement « en dehors des sentiers battus », mais aussi aux possibilités infinies qu'il recèle.

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Style

Modus Operandi

Toute idée créée dans l’espace, je l’appelle sculpture cybernétique.

Andy Warhol était un sculpteur cybernétique, un peintre iconoclaste et visionnaire, prédicteur de l'avenir. Il disait : « Je veux être une machine, et je sens que tout ce que je fais, et le faire comme une machine, c'est ce que je veux faire. Je pense que tout le monde de

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Toute idée créée dans l’espace, je l’appelle sculpture cybernétique.

Andy Warhol a dit un jour : « Je veux être une machine. » En 1963, à une époque où la technologie cybernétique commençait lentement et méthodiquement à s'imposer dans la conscience publique, Warhol était au sommet de sa carrière et semblait au sommet de son art, au cœur du monde de l'art avant-gardiste new-yorkais.

Remontons le temps. Andrew Warhola, né le 6 août 1928, venait d'avoir vingt ans lorsque ce concept, encore balbutiant et énigmatique, d'une philosophie cybernétique vitale était encore développé avec prévoyance à la fin des années 1940 par le cybernéticien visionnaire Norbert Weiner, qui inventa le terme original de « cybernétique » en 1948. [Wiener, Norbert. Cybernetics: Control and Communication in the Animal and the Machine. New York : Wiley, 1948.]

Norbert Wiener entendait que le concept de cybernétique inclue tout comportement mesurable, répété et attendu comme mécanisme de contrôle. Pendant ce temps, Andy venait de décrocher un contrat d'illustration avec ses dessins à la plume. Il a dessiné, avec son style caractéristique, des lignes floues, pour un article du magazine Vogue intitulé : « À New York, le succès est un métier. »

Il a développé un style de production de dessin à l'encre appelé « technique du trait maculé », qui permettait de tracer et d'imprimer plusieurs dessins à partir d'une seule image, produisant ainsi une multitude de résultats colorés, chacun légèrement différent, mais similaire au premier. Andy possédait un sens aigu du leadership et son approche systématique se reflétait dans ses œuvres sérigraphiques ultérieures de multiples tableaux de Marilyn et d'Elvis, reproductions mécaniques réalisées à la main à la raclette. L'œuvre de Warhol était holistique, systémique, high-tech et fondamentalement cybernétique.

Le terme cybernétique est étymologiquement attribué à Platon, philosophe grec du IVe siècle avant J.-C., qui a inventé le terme grec Kubernetes, qui signifie « diriger » ou « gouverner ». Ce mot est associé à un leader, un pilote, un capitaine, un timonier ou un gouverneur. Récemment, face à l'hégémonie des données, Google a choisi le même terme, Kubernetes, pour nommer son logiciel de gestion de données.

Étant donné que les logiciels de gestion de données disposent d'un composant de codage complet qui comprend un système de conteneurs de pods ou de cubes comme un échafaudage cubique virtuel, ils peuvent être comparés conceptuellement aux capsules temporelles que Warhol a créées du milieu des années 1970 jusqu'à sa mort le 22 février 1987.

Ces capsules temporelles sont des boîtes de papier de bureau en carton identiques, contenant tout ce que Warhol et son équipe jugeaient digne d'être conservé. Cela comprenait souvent un peu de chaque aspect de la Factory, qui devint bientôt The Office après sa fusillade et son quasi-assassinat en 1968.

Le terme cybernétique est un terme particulièrement utile pour nommer l'art des formes systémiques dynamiques vitales de la vie comme les structures génétiques car elles réalisent l'énergie comme une force englobante totale à l'unisson avec la biosphère.

Les vents changeants, les marées et les courants, les schémas migratoires, la vie autopoïétique en mouvement. [ Romesín, Humberto Maturana et Francisco J. Varela. Autopoiesis and Cognition: The Realization of the Living. Dordrecht: D. Reidel, 1980.]" La vie n'est-elle pas une série d'images qui changent en se répétant ? " Warhol disait : " Si j'avais un bon ordinateur, je pourrais rattraper mes pensées pendant le week-end si jamais j'étais en retard.

Un ordinateur serait un patron très qualifié. » [Warhol, Andy. From A to B and Back Again: The Philosophy of Andy Warhol. Londres : Pan Books, 1976.] L'œuvre d'Andy Warhol a prédit la cybernétique et a coïncidé avec son développement.

Le concept de composants modulaires ou de systèmes modaux structurels en cybernétique implique l'idée de formes géométriques telles que les composants structurels modulaires, en l'occurrence les classiques « cubes ». Le système de composants modulaires en grille, utilisant un montage matriciel, est peut-être le plus évident dans sa série « Society Portraits », où chaque toile a été créée pour mesurer exactement 100 cm sur 100 cm afin que chacune d'elles s'intègre dans un immense portrait monumental et imbriqué de la société, qu'il souhaitait exposer au Metropolitan Museum of Art de New York, représentant un exemplaire de chaque personne qu'il a peinte. Andy Warhol aurait déclaré : « Si tout le monde n'est pas beau, alors personne ne l'est. » [Ibid.]

Ce système de confinement est également mis en évidence par les capsules temporelles d'Andy Warhol. Ces capsules reflètent le système de conteneurs du logiciel Kubernetes de Google et les données qui s'insèrent dans les grilles, les lignes et les colonnes d'une matrice monumentale de données. La différence est virtuelle. Du côté numérique, on trouve des données binaires codées contenues dans une matrice. Du côté analogique, ou capsule temporelle de Warhol, on trouve de véritables objets historiques tridimensionnels contenant des données significatives. Les deux systèmes sont contenus dans les paramètres d'une boîte, comme un poème sur une page, ou une mesure musicale de notes sur une portée. La cybernétique, en tant que paradigme philosophique visuel, permet de comprendre la complexité de multiples systèmes biologiques et mécaniques qui se chevauchent et nous donnent des informations dans la vie.

Nous commençons à comprendre et à percevoir l'holisme systémique. C'est comme si la ville était une symphonie. La cybernétique est un terme qui peut intimider et qui aliène souvent beaucoup de gens. Son objectif est tout à fait inverse.

Le terme cybernétique, dérivé du grec ancien, signifie « diriger ». Il désigne les systèmes dynamiques de communication, dans la nature comme dans la technologie. Il est utile pour décrire l'étude de la vie, de la biologie et de ses processus holistiques, systémiques et autorégulateurs, en tant qu'organisme en état constant de flux, de transformation, se maintenant de manière autopoïétique et vivant, pensant et ressentant de manière autonome.

La cybernétique est une vision d'ensemble, essentielle pour l'artiste. Warhol se considérait comme le créateur d'un système ouvert, considérant l'art comme un espace d'expérimentation où tout est possible. Les systèmes ouverts permettent des solutions créatives multiples, la liberté, l'individualité et le changement.

Ashby, Wiener et Warhol ont anticipé l'avenir de la cybernétique et son impact sur notre culture, et ont posé des questions complexes concernant notre avenir. En 1957, W. Ross Ashby a écrit son ouvrage révolutionnaire « Introduction à la cybernétique ». Ashby soutenait que la cybernétique est une méthodologie permettant de cartographier et de comprendre le changement. La cybernétique reflète l'esprit et la machine comme des dispositifs systémiques complexes. La cybernétique est un vocabulaire linguistique formel utile pour comprendre la complexité et les différents états de transformation. [Ashby, William Ross. An Introduction to Cybernetics / W. Ross Ashby. Londres : Chapman and Hall, 1957.]

L'art d'Andy Warhol s'harmonise et coïncide philosophiquement avec celui des pionniers de la cybernétique Norbert Wiener et Ross Ashby.

Ces trois artistes et scientifiques ont posé des questions avant même que quiconque n'ose y réfléchir. Quelle est la fonction de l'être humain dans une société entièrement automatisée ? Quelle est la place de l'artiste dans ce nouveau monde ? Car l'automatisation se profile à l'horizon. La pensée d'un art visuel multimédia cybernétique, systémique et holistique est d'une actualité brûlante. Scientifiques et artistes s'autorégulent et s'adaptent en permanence.

L’art est à la fois une thérapie introspective et une synthèse de fantaisie et de réalité, de gravité et de légèreté qui aboutit à de nouvelles découvertes qui changent les perceptions populaires de la vie au fil du temps.

Les racines de l'art cybernétique commencent avec le structuralisme.[]

La définition du structuralisme par Jean Piaget et l'approche structuraliste reposent sur trois éléments principaux. Le premier aspect structuraliste est l'existence de touts, et ces systèmes complets sont plus significatifs que leurs parties intégrantes. Cela signifie que ces structures ne sont pas de simples agrégats ; elles sont dynamiques. [Piaget, Jean. Structuralisme. Paris : Taylor & Francis, 1968.]

La transformation les définit existentiellement. Ils sont autonomes et autorégulateurs. Ils ne sont pas statiques. Piaget démontre ensuite les diverses applications de ce concept de structuralisme à la pensée mathématique, logique, biologique, psychologique, linguistique, sociale et philosophique. Piaget explique la théorie générale de manière nuancée et très délicate, affirmant que tout bon structuralisme doit être fondamentalement constructif et qu'il doit viser et tendre vers un nouveau type d'objectivité.

La cybernétique est un système holistique, un fil conducteur qui dynamise l'imagination. Comme le disait Buckminster Fuller : « Les pensées voyagent à la vitesse de la lumière. » La trajectoire évolutive de la médiation commence avec la peinture. Elle s'achève conceptuellement avec l'art désincarné de la pensée pure. L'idée, transmise par les données cybernétiquement à travers l'espace et le temps à la vitesse de la lumière, est portée par le public.

Ce sont les idées que le spectateur retient en mémoire après le film ou l'exposition. Ces idées dotent le prolétariat d'une richesse de connaissances, égalisant ainsi démographiquement les classes sociales en une seule race humaine unifiée à l'échelle mondiale. L'art est un sésame pour l'immortalité.

Si l'artiste ou le scientifique a de la chance, il peut connaître une percée qui traverse le temps et, même après sa mort, cette idée révolutionnaire marque la mémoire culturelle et historique collective. La photographie est le principal mécanisme de mémoire utilisé pour immortaliser une image de soi. Il existe une frontière tortueuse entre ressemblance et identité.

La photographie est un moyen pour un artiste de reconstruire la réalité de manière systématique et cybernétique. L'appareil photo est un grand menteur. Demandez à quiconque sait prendre le selfie idéal.

Warhol s'est emparé de la technologie, et notamment de l'appareil photo, comme outil pour documenter et exprimer ouvertement son point de vue en silence. Andy Warhol incarnait l'artiste accompli et était une célébrité d'une grande légèreté et d'un grand humour, mais extrêmement consciente de l'ombre de la mort. Né en 1928 à Pittsburgh, en Pennsylvanie, il souffrait d'un trouble neurologique appelé « danse de Saint-Guy » et de taches sur la peau. Enfant, il avait des besoins spécifiques. Des circonstances malheureuses lui permirent de développer un don étrange et puissant de concentration et de singularité, tout en faisant preuve d'une persévérance discrète, teintée d'un humour timide. Sa mère, Julia Warhola, encourageait et récompensait son fils avec des barres de chocolat Hershey's pour améliorer encore ses meilleurs dessins. C'est ainsi qu'une inscription maternelle se gravait dans son cœur.

On lui a appris que son art rendait son amour visible et qu'une œuvre réussie serait récompensée. Pour Warhol, son art est une synthèse de sérieux et de fantaisie. Il combinait souvent le haut et le bas, à grande échelle et en volume. L'implication et la formation de sa mère sont les éléments clés qui ont inspiré sa vaste production cybernétique maniaque. Cela a galvanisé sa foi en l'œuvre. [Evans, Thomas Morgan. 3D Warhol: Andy Warhol and Sculpture. Londres: IB Tauris, 2017.]

Après avoir obtenu son diplôme de Carnegie Tech, il quitta son domicile pour New York, où il devint illustrateur commercial et étalagiste. Il économisa ses revenus et s'acheta une maison de ville sur Lexington Avenue. Il développa sa propre interprétation iconoclaste du style Pop Art de l'époque et brisa les barrières entre beaux-arts et commerce avec ses peintures de boîtes de soupe Campbell à l'humour noir qui déconcertent encore le public car elles glorifient mystérieusement la pauvreté. Ses images, portraits tragiques et comiques de la vie et de la mort, nous faisaient honte et nous divertissaient, avec leurs représentations cybernétiques frontales, véritables œuvres d'art représentant des bandes dessinées, des boîtes de conserve et des célébrités.

Il a produit un groupe de rock, The Velvet Underground, et leur première pochette d'album éponyme. Andy a imaginé l'avenir des concerts rock de performance artistique comme un environnement d'immersion cybernétique virtuelle, fusionnant images projetées aux couleurs vives, lumières stroboscopiques et sons vibrant au rythme du Velvet Underground dans ses spectacles iconoclastes intitulés « Exploding Plastic Inevitable ».

Il a également réalisé une série de films célèbres dont certains diraient qu'il vaut mieux en parler que les voir. Le 3 juin 1968, il fut abattu par l'actrice et dramaturge Valerie Solanis, l'une de ses « Superstars ». Le mot « Superstar » était de son invention. Déclaré mort, il fut ressuscité au plus fort de sa gloire et de sa notoriété. En un éclair, il s'effondra, sous le choc, au plus profond de l'abîme, frôlant la mort. Après la fusillade et sa résurrection, Andy Warhol posthume ne fut plus jamais tout à fait le même.

Au lieu de cela, il ne redevint plus jamais l'elfe, le sorcier, l'impresario. Depuis qu'il avait frôlé la mort et qu'il en était revenu, le travail et l'argent étaient ses principales préoccupations.

En 1968, il publie Interview Magazine et devient un portraitiste de célébrités et de la haute société. Il s'efforcera pendant dix-neuf ans de se racheter et de se réinventer. Ses dernières œuvres, peut-être les plus puissantes, sont d'inspiration religieuse, tout en conservant sa touche personnelle, faite d'ironie noire et d'humour.

Les peintures monumentales de La Cène furent exposées en janvier 1987 en Italie. Andy Warhol s'éteignit le 22 février 1987, laissant derrière lui une fondation et un héritage de plus de six cents millions de dollars. Sa plus grande création fut son personnage, plus grand que nature, qui lui survit et qui lui a valu la création d'un musée de renommée internationale : le Musée Andy Warhol, situé dans sa ville natale de Pittsburgh, en Pennsylvanie.

Andy Warhol lui-même aspirait à devenir la machine de production cybernétique capable de créer de l'art avec une précision extrême. Warhol voulait être une machine d'enregistrement et une machine de production cybernétique de peintures épiques.

L'art est le fruit d'une réflexion approfondie. Ce sont les métadonnées, l'idée, le concept et la façon dont ils transforment notre paysage mental intérieur, en tant qu'outils de visualisation et d'imagination, qui constituent l'élément essentiel à retenir et à appliquer à notre quotidien. Cette visualisation de l'espace, construite à partir de composants systémiques modulaires, manifestations d'une production cybernétique, est le fondement de la « Série des Ombres » de Warhol.

Tan Lin décrit la « Série Shadow » d'Andy Warhol comme une production informatique et l'acte synesthésique de peindre comme une machine. Logique et plaisir sont synchronisés par la piste disco électronique et le stroboscope, comme un éclair d'idée, automatiquement génératrice et agréable, aiguë et éphémère, comme dans l'instant présent. À travers son interprétation de la série « The Shadows », Lin dévoile une production artistique cybernétique en résonance avec une matrice, revitalisant l'œuvre cybernétique de Warhol et lui redonnant une nouvelle actualité.

Warhol incarne la cybernétique et démontre sa pertinence omnisciente. Chaque toile de « Shadows » d'Andy Warhol peut être considérée comme une sortie vidéo numérique cybernétique, qu'il s'agisse d'une image ou d'un conteneur de données unique, d'une diapositive ou d'une cellule [Lin, Tan. « Disco, Cybernetics, and the Migration of Warhol's Shadows into Computation. » Criticism 56, n° 3 (2014) : 481.].

Chaque toile est un cadre identique, sérigraphié en photosynthèse, représentant un instant récurrent, un flash stroboscopique sur fond d'une mystérieuse ombre triangulaire suggérant un espace intérieur, peut-être une boîte. Les toiles aux couleurs vives sont chacune uniques par leur palette chromatique et contrastent fortement avec chaque itération suivante, composée sur un graphique, comme des notes de musique sur une portée.

Ces toiles peuvent être considérées comme des mesures d'une mélodie d'opéra conçue en synchronisation avec un rythme disco dans des couleurs fluorescentes festives de haute lueur du jour qui tournent et éclatent, laissant une image rémanente qui semble pulser à l'arrière des paupières des spectateurs encore et encore en séquence dansant autour de la galerie comme des données musicales.

La série « The Time Capsules » d'Andy Warhol transforme des objets éphémères du moment en artefacts dignes d'être examinés non pas individuellement, mais en contraste et en groupe avec leur capsule, cellule ou cadre respectif, mettant ainsi en relief l'idée de la matrice cybernétique omniprésente et systémique de l'art. Des rangées et des colonnes de boîtes identiques ont été soigneusement datées et stockées dans une séquence contenant des souvenirs éphémères, sélectionnés personnellement, représentatifs du moment, tels que des photographies, des souvenirs, des cadeaux de célébrités, des reçus retraçant des événements, des cadeaux, des coupures de presse, du courrier et une multitude d'objets de mémoire.

[Görner, Klaus et Andy Warhol. Time Capsule 21 d'Andy Warhol : le musée Andy Warhol, Pittsburgh ; Museum Für Moderne Kunst, Francfort-sur-le-Main ; Ausstellung à Francfort : 27 septembre 2003-29. Février 2004. Ausstellung à Pittsburgh : Herbst 2004. Cologne : DuMont, 2003.]

Les capsules temporelles sont une réalisation formelle de la Matrice de l'Art Cybernétique, à l'image d'un caractère kanji japonais composé d'un nombre fixe de traits dans un carré parfait ; elles constituent le fondement du langage intérieur de la pensée de Warhol. Son monde intérieur est fondamentalement cybernétique et organiquement aligné sur le processus biologique de renouvellement cyclique et créatif du système, celui de la régulation et de l'auto-préservation, comme modes de praticité et de survie. La planète Terre est un organisme au sein d'un système cybernétique d'une complexité perceptible, celui de la vie universelle. [ Romesín, Humberto Maturana et Francisco J. Varela. Autopoiesis and Cognition: The Realization of the Living. Dordrecht : D. Reidel, 1980.]

Pratique consistant à conserver et à transformer des souvenirs, des objets éphémères et des souvenirs en objets de toutes sortes. Des éléments de sa vie publique et privée sont contenus dans chaque capsule temporelle identique, soigneusement scellée et numérotée, généralement un mois et une année, indiquant la période de collecte des objets et une estimation précise de la période qu'ils représentent.

[Görner, Klaus et Andy Warhol. Ibid.] Il s'agit d'une puissante métaphore de la matrice de l'art cybernétique comme sorte de filtre. Un processus mystérieux : lorsqu'on choisit et place philosophiquement un objet, à la manière de Marcel Duchamp qui choisit une pelle et la place dans le contexte d'une galerie ou d'une œuvre d'art, elle réside alors de manière permanente sous le parapluie ou encadrée dans le contexte de l'art avec un A majuscule.

L'objet acquiert-il alors immédiatement des qualités et une signification qu'il n'avait pas auparavant ? Le concept est fascinant. Warhol était un artiste à l'impact reconnu, si astucieux et conscient de lui-même qu'il a développé une machine permettant de transformer ce qui pourrait être simplement jeté à la poubelle. Il a plutôt considéré sa valeur archivistique comme un précieux témoignage de l'histoire et, par conséquent, un moyen de gagner encore plus d'argent.

De la même manière qu'il a transposé le concept d'usine de production dans le domaine de la sculpture avec sa série emblématique Brillo Box, qui étaient des fac-similés en bois des boîtes d'épicerie Brillo.

Ici, nous voyons en réalité le filtre magique à l'œuvre philosophiquement. S'agit-il simplement d'une boîte Brillo propre placée dans l'arène du monde de l'art, sur un piédestal, et est-ce le contexte qui en fait de l'art ?

Le fait qu'il s'agisse d'une représentation en trompe-l'œil d'une Brillo Box en bois et peinture plutôt que de la véritable Brillo Box en carton, et cette distinction de supports et de matériaux, fait des sculptures Brillo Box des œuvres d'art. [Evans, Thomas Morgan. 3D Warhol: Andy Warhol and Sculpture. Londres: IB Tauris, 2017.] Cela ouvre la définition de la vie et de l'art à un tout nouveau domaine et anime le banal d'une nouvelle vie. Cet homme, par sa simple sélection et association, a automatiquement transformé des déchets en trésor. Voici le roi Midas mythologique personnifié et investi par la boule de cristal de la Pop.

Warhol a été propulsé au royaume des bienheureux. Cette notion radicale des Capsules Temporelles approfondit la définition même de l'art, la soumettant à un examen minutieux et l'intéressant à notre discussion sur la nature de la vie et de l'art d'Andy. Il existe une frontière floue, trompeuse et trompeuse entre l'artiste, sa vie, son œuvre et son art, et lorsque sa présence ou sa célébrité donne lieu à une forme de performance, la définition et la distinction entre art et vie s'enracinent et se fondent l'une dans l'autre de manière si audacieuse et permanente qu'il est impossible de les distinguer. Est-ce la vie ou l'art ?

Pour Warhol, créateur et producteur précurseur d'une œuvre d'art cybernétique systémique, produite mécaniquement, avec une grande finesse technologique et une audacieuse originalité, Andy était réputé pour son iconoclastie et sa connaissance approfondie des médias, tant des matériaux utilisés que du vecteur de transmission du message.

Pour Warhol, le terme « média » lui-même possède un double sens étymologique : un terme à la mode, à la fois pop et révélateur, qu'Andy lui-même vénérait. Il a dit un jour : « L'idée n'est pas de vivre éternellement, mais de créer quelque chose qui durera. »

Français Il a réussi à capturer et à encapsuler un moment et à figer une flamme d'une manière qui perdure, dure et exige de la considération à mesure que nous nous enfonçons de plus en plus profondément dans le simulacre ; [ Baudrillard, Jean, et Sheila Faria. Glaser. Simulacra and Simulation. Ann Arbor: University of Michigan Press, 2004.] qui est de plus en plus loin de la nature et dans la contre-culture et la cyber-culture [ Turner, Fred. From Counterculture to Cyberculture: Stewart Brand, the Whole Earth Network, and the Rise of Digital Utopianism. Chicago, IL: University of Chicago Press, 2008.] et le domaine des pensées en tant qu'actions et les frontières entre la réalité et la fantaisie deviennent de moins en moins distinctes dans les sphères cyberculturelles qui commencent à façonner notre notion de la réalité.

Warhol s'est efforcé d'exposer la culture dominante aux questions de genre et de transgenre. La jeune génération d'aujourd'hui choisit ses propres pronoms pour désigner son identité sexuelle. À New York, les certificats de naissance permettent désormais à l'enfant de choisir son propre genre. Peut-être qu'un jour l'égalité deviendra une réalité et le genre deviendra obsolète. Nous vivons dans une nouvelle époque où l'individu est au centre des préoccupations, mais disparaît rapidement en fonction de sa classe sociale et de sa situation géographique. Andy a déclaré : « Ceux qui parlent le plus d'individualité sont ceux qui s'opposent le plus à la déviation, et dans quelques années, ce sera peut-être l'inverse. »

Un jour, chacun pensera ce qu'il veut, et alors tout le monde pensera probablement de la même manière. [Swenson, GR « Qu'est-ce que le Pop Art ? » Réponses de 8 peintres, 2e partie, Art News (février 1964)]

Andy Warhol, né dans les ghettos slaves de Pittsburgh, est issu de parents immigrés pauvres. Il a grandi rue Dawson et, de façon remarquable, a commencé ses études universitaires le jour même où la première bombe atomique a été larguée sur Hiroshima, bouleversant le monde. Nous en sommes encore à reconstituer les pièces et à trouver des échos du sens et de l'impact de son incroyable trajectoire, qui a transformé à jamais le paysage de la vie. Au XXIe siècle, il est encore l'un des pionniers de l'art cybernétique, incarnant sa propre actualité et une vision nouvelle et ouverte du monde.

On dit que le temps change les choses, mais en réalité, c'est à vous de les changer vous-même. Andy Warhol a laissé un héritage et a donné de l'autonomie à de nombreuses personnes marginalisées et jusque-là ignorées, devenues des artistes célèbres comme Jean Michel Basquiat et d'autres qui ont partagé son aura dans le royaume de la sainteté et de la mémoire historique. [Evans, Thomas Morgan. 3D Warhol: Andy Warhol and Sculpture. Londres : IB Tauris, 2017.]

Warhol était un homme qui a réalisé ses rêves, non seulement pour lui-même mais aussi pour beaucoup d'autres. Il est devenu un élément clé de la fabrique de stars new-yorkaise et de la mode, passant de l'encre et de l'aquarelle à une photosynthèse de peinture, de sculpture, de lumières, de caméras et d'action, incluant une myriade d'objets trouvés sélectionnés pour sa série de capsules temporelles et d'innombrables expérimentations avec la sérigraphie et la photographie, une production cybernétique cinématographique et sérialiste. La répétition est source de joie, et Warhol l'a prouvé de A à B et inversement. Il a transformé ses faiblesses en forces et a documenté le monde tel qu'il le voyait, dans toute sa splendeur argentée et scintillante, et dans le spectacle épique des flashs stroboscopiques graphiques.

Il a compris l'importance d'une vie professionnelle honnête, structurée et programmée, ainsi que la joie de rester occupé. Il a développé une philosophie systémique cybernétique qui lui a permis de travailler sur de nombreux projets en tandem et avec une équipe très nombreuse, pour continuer à produire des œuvres d'art monumentales, un magazine emblématique et des films qui remettent encore en question le statu quo, dans le style typiquement warholien. Il a vécu son idéal. Il a dit : « On dit que le temps change les choses, mais en réalité, c'est vous qui les changez. » [Warhol, Andy. From A to B and Back Again: The Philosophy of Andy Warhol. Londres : Pan Books, 1976.] Warhol n'a jamais cessé. Il a trouvé une voix et une famille élargie, et a développé une éthique du travail qui influence encore aujourd'hui la définition philosophique de l'artiste et élève le rôle de l'artiste au lexique contemporain. Warhol a eu un impact sur la culture d'une manière qui a changé le monde, brisant définitivement les frontières entre l'art, la vie et le commerce à l'infini.

Il s'est extirpé seul des bas-fonds et des ghettos slaves de Pittsburgh pour rejoindre la haute société et sa luxueuse maison de ville du 1342 Lexington Avenue, dans le quartier chic d'Uptown à New York, effectuant régulièrement des tournées en Europe, à Paris et même un voyage en Chine, muni d'un stylo, de papier et d'aquarelles. Avec Warhol, nous découvrons un artiste authentique et humble, mais aussi, en fin de compte, une conscience aiguë de la technologie et de la couleur qui, tel un laser, fusionne l'image avec notre mémoire collective et virtuelle, et suscite une intrigue qui revient souvent à l'esprit pour être analysée à maintes reprises au fil du temps. « Le temps est. Le temps était. » Andy Warhol. [Ibid.]

Français Chaque transformation peut être montrée sur une matrice. [ Ashby, William Ross. Une introduction à la cybernétique / W. Ross Ashby. Londres : Chapman et Hall, 1957.] Warhol a vu un moyen d'exploiter la tension entre une matrice urbaine encombrée et un terrain en béton tel que Manhattan à New York et de le rendre fascinant, vibrant de lumières et de sons dans sa série de concerts Exploding Plastic Inevitable où il a projeté des couleurs et des formes brillantes sur le groupe « The Velvet Underground » alors qu'ils jouaient leur musique pop primitive et osée qui est devenue l'inspiration pour de nombreux groupes à venir et même dans les années 80, des groupes comme Talking Heads doivent leurs racines à Lou Reed, John Cale et la progéniture d'Andy Warhol : The Velvet Underground. Andy Warhol était l'artiste cybernétique multimédia incarné et personnifié.

Même le journal intime d'Andy Warhol possède un rythme cybernétique qui révèle le véritable Andy sous la perruque. Chaque entrée est honnête et crue, mais toujours datée et horodatée, méthodiquement et systématiquement, comme pour les capsules temporelles, afin de permettre au lecteur de se repérer et de localiser temporellement et géographiquement chaque épisode de la frénésie magique de la trajectoire emblématique de Warhol. L'auteure et commissaire d'exposition Donna DeSalvo a déclaré qu'une fois que Warhol a fusionné la photographie avec la peinture, qu'il a uni forme et contenu dans une sorte de photosynthèse magique, impossible de les dissocier.

C'est ce que l'on attend des grands artistes, et Warhol l'a fait. Tan Lin postule que la série Shadow de Warhol, composée d'images aux couleurs vives et aux lumières stroboscopiques, est en réalité une production cybernétique. Son idée est que les toiles sont une sorte de notation codée et que la séquence reflète l'énergie frénétique de la discothèque « Studio 54 », des données musicales dansantes telles des images de néon sur un graphique, telles des notes de musique sur une portée.

Il existe ainsi des similitudes évidentes et des comparaisons avec un système de conteneurs de données cubiques que Google appelle Kubernetes. Pour étendre un peu plus la métaphore cybernétique et symbiotique, si l'on compare la boîte de la capsule temporelle au carré où est composé un kanji sur du papier de riz japonais, par exemple, on constate que la configuration de coups de pinceau apparemment aléatoires forme littéralement un caractère de notation dans les alphabets chinois et japonais. On peut comparer ces coups de pinceau apparemment aléatoires aux objets sélectionnés pour être sauvegardés dans les boîtes de la capsule temporelle et commencer alors à deviner le langage réel du monde intérieur d'Andy Warhol et son imagination intérieure, ou langage mythologique personnel.

Cette comparaison des Kanji avec la Time Capsule [Görner, Klaus et Andy Warhol. Time Capsule 21 d'Andy Warhol : le musée Andy Warhol, Pittsburgh ; Museum Für Moderne Kunst, Francfort-sur-le-Main ; Ausstellung à Francfort : 27 septembre 2003-29. Février 2004. Ausstellung à Pittsburgh : Herbst 2004. Cologne : DuMont, 2003.]

- en tant que métaphore du langage, elle peut aider à saisir la valeur, la vitalité et l'omniprésence de la fonction de l'art dans la vie d'un individu, ainsi que la nécessité des arts. On dit que la musique galvanise les souvenirs et qu'elle préserve la démence lorsqu'elle est associée à la musique. Par conséquent, nous devrions investir dans la musique et l'art, ne serait-ce que pour le souvenir. Les données musicales qui traversent l'œuvre de Warhol témoignent de sa foi et de son insurmontable joie de vivre. Il est certain qu'avec tous ses supports et au fil de sa vie, il a su rendre la vie toujours plus intéressante et inspirer des générations d'artistes et de mécènes pour les années à venir. [Ibid.]

Andy Warhol n'était pas un homme inactif. Même après s'être remis de son assassinat imminent, il a continué à créer des œuvres, des vidéos et à publier des interviews, avançant toujours avec conviction et détermination. Il a habité l'environnement matriciel urbain qu'est le centre-ville et les quartiers chics de Manhattan, fait de rangées, de colonnes et de places scintillantes et scintillantes de ses superstars du centre-ville, de ses vidéos et de ses grandes toiles colorées et éclatantes qui capturent un moment stellaire et l'énergie du jour, capturées dans une photosynthèse de sérigraphie et de coups de pinceau géants.

Baudrillard soutient que la carte, la banlieue, le parc d'attractions, la réalité construite postmoderne, ont remplacé l'authentique par la simulation. Nous avons perdu tout sens du réel et de l'authentique, et il ne nous reste finalement qu'une simulation. Ce qui subsiste est un ordre construit, abstrait et éloigné de la réalité. Nous avons perdu la capacité de discerner la distinction entre réalité et artifice.

L'image est une contrefaçon d'authenticité. L'artifice est une nouvelle réalité. Dans la culture postmoderne, les médias psychiques nous tiennent à distance des réalités de notre corps et du monde qui nous entoure. L'argent est devenu l'équivalent universel et la mesure de tout dans la vie postmoderne. Le naturel a été remplacé par l'artificiel. Les choses ont perdu leur matérialité. La sueur du travailleur, l'idée concrète d'utilité ont disparu. Tout est capital. C'est le capital qui définit désormais nos identités, le prix de l'épanouissement personnel étant chiffré. [Baudrillard, Jean, et Sheila Faria. Glaser. Simulacra and Simulation. Ann Arbor : University of Michigan Press, 2004.

]

Nous avons complètement perdu le contact avec le travailleur. Les fabricants sont désormais de plus en plus invisibles et déconnectés de l'expérience consommateur du point de vente ou de l'expérience encore plus complexe d'Internet. Un exemple de ce dilemme est que les consommateurs, pour la plupart, ignorent l'origine de leurs produits. Un client de Starbucks ne peut même pas visualiser un plant de café. L'urbanisation engendre une espèce entièrement nouvelle, éloignée de la nature. En achetant une paire de chaussettes, personne n'imagine un champ de coton. Nous avons perdu toute notion de valeur d'usage. La notion de « réel » est en pleine mutation. Le langage et l'idéologie nous empêchent d'accéder à la « réalité ».

Nous dépendons du langage de l’artifice pour visualiser la réalité postmoderne qui n’est qu’une coquille vide, une simple construction arbitraire de simulacres et de simulations.

Warhol était parfaitement conscient des simulacres, de la simulation et de la situation critique des ouvriers. Il cherchait à insuffler une touche d'ironie et d'humour et à célébrer la simulation avec un sens du spectaculaire, de la joie et de l'émerveillement. Chez Warhol, on est souvent confronté à une image frontale aplatie, avec un message tel que « Votez McGovern » sur une image verte monstrueuse de Richard Nixon. Donna DeSalvo attribue à Andy Warhol cette formule à l'origine de la forme actuelle du Pop Art sur les réseaux sociaux : le mème. Dans ses dernières créations, il s'intéressait non seulement à ce qui permet à une image de communiquer, mais aussi à ce qu'elle peut masquer, coder, cacher, abstraire ou subvertir. [Brooks, Xan. « Pop's Dark Star: The Return of Andy Warhol », The Guardian. 12 novembre 2018. Consulté le 25 février 2019. https://www.theguardian.com/artanddesign/2018/nov/12/pops-dark-star-why-warhol-matters-now.]

À l'époque de Warhol, le pouvoir était dans son quartier. Il a connu le succès et s'est forgé une réputation qui continue de promouvoir les arts visuels et d'aider les jeunes artistes à obtenir une assurance maladie, même aujourd'hui au XXIe siècle. La Fondation Andy Warhol témoigne durablement de l'amour, de la vie et de la vision de Warhol, animé par une éthique de travail unifiée et festive, qui continue de financer l'exploration et le développement des arts visuels. Il a déclaré un jour que l'art est ce que l'on peut faire sans se ruiner, mais il a repoussé les limites de la fonction d'artiste, miroir de la culture, pour produire des images et des productions cybernétiques dans des médias tels que la vidéo, des émissions de télévision, un magazine, de la musique et des films, qui inspirent l'individualité et encouragent une éthique arc-en-ciel d'expression créative et une créativité libre. Peu après sa mort en 1987, le magazine Time a écrit que la plus grande création d'Andy Warhol était Andy Warhol lui-même. [Evans, Thomas Morgan. 3D Warhol: Andy Warhol and Sculpture. Londres : IB Tauris, 2017.]

L'exploit de Warhol fut non seulement de créer une œuvre d'art, mais aussi de créer de toutes pièces un personnage à jamais reconnaissable et une image de marque qui survivra au corps physique. Andy Warhol, diplômé en design pictural de Carnegie Tech à Pittsburgh, en Pennsylvanie, devint l'homme de ses rêves, celui qui réalisa le rêve américain tout en le redéfinissant, le réinventant et remettant en question l'idée même du rêve américain. En le plaçant dans le contexte de systèmes cybernétiques inclusifs plus vastes, à l'œuvre en coulisses, Warhol fut un pionnier du concept d'unification technologique des imaginaires. Tel un système nerveux qui entoure et relie la planète, la cybernétique rend les idées dynamiques et les pensées voyagent à la vitesse de la lumière, avec des résultats immédiats en temps réel.

Au-delà de l'objet d'art, dans le domaine de la sculpture comme idéal, Roy Ascott est un promoteur interactif du changement comportemental. [Ascott, Roy. Art, Technologie, Conscience, Esprit large. Bristol : Intellect, 2000.] Les pensées cybernétiques inaugurent une nouvelle ère de monde global, d'unité et de pensée. La trajectoire de Warhol est une croissance florissante, telle une chrysalide, qui a commencé par se concentrer sur les propriétés expressives des matériaux purs que sont la peinture et le langage, l'algorithme, le rêve, le choc, le commerce, la géométrie, l'idée, puis la restructuration numérique de l'information, pour devenir aujourd'hui un papillon de pensée pure, entièrement fait de lumière. L'Histoire de notre temps : La « médiation » se mesure à la traînée laissée par la comète glacée que nous appelons « Art », propulsée à travers le temps et l'espace dans le royaume de la pensée pure, évoluant à la vitesse de la lumière. L'art cybernétique est toujours le fruit de l'énergie. [Ascott, Roy, et Edward Shanken. Étreinte télématique. Los Angeles : University of California Press, 2003.]

Il est souvent difficile de distinguer un événement réel d'un artefact. Par la magie de la médiation, l'expérience numérique est considérée comme un substitut égalisateur à l'existence. Où s'arrête l'art et où commence la vie ? S'agit-il désormais d'un système mondial, cybernétique, superstructurel et en circuit fermé, maintenu par les bras aimants de notre armée et de notre équipe de surveillance électronique, où chaque clic et chaque frappe sont surveillés au nom de la démographie et du dataisme, et de la collecte apparemment infinie de ces données pour alimenter le moteur économique capitaliste et monétaire du système de marché « libre » ?

La production cybernétique est une restitution dynamique du mouvement. Le médium est le matériau qui compose un objet d'art original ou un artefact restant : peinture, bois, photographie, film, vidéo, texte, son ou lumière. « Média » est la forme plurielle du mot « médium » et désigne à la fois la presse, les informations qui façonnent notre opinion changeante sur l'actualité, les rédacteurs en chef et les diffuseurs d'informations. La médiation est la traduction magique d'une idée en forme, de la réalité en images, des événements en films, des données en pensée pure.

Tan Lin a suggéré que les dernières peintures d'ombres d'Andy Warhol sont des manifestations d'une production cybernétique dynamique éclairée par un stroboscope. [Lin, Tan. « Disco, Cybernetics, and the Migration of Warhol's Shadows into Computation. » Criticism 56, no. 3 (2014) : 481.] Lin décrit la série Shadow de Warhol comme une production informatique et l'acte synesthésique de peindre comme une machine, une logique et un plaisir synchronisés électroniquement par la piste disco et le stroboscope comme un éclair d'idée automatiquement génératrice et agréable, aiguë et éphémère, comme dans l'instant présent. Chaque toile des Shadows d'Andy Warhol peut être considérée comme un conteneur de données unique, une cellule. [Lin, Tan. Ibid.]

Andy Warhol a capturé les éphémères de sa vie et les a transformés en œuvres d'art en créant la série « The Time Capsules », qui a transformé des reliques nostalgiques et des témoignages détaillés de moments de sa vie en précieux objets. [Görner, Klaus et Andy Warhol. Andy Warhol's Time Capsule 21 : The Andy Warhol Museum, Pittsburgh ; Museum Für Moderne Kunst, Frankfurt Am Main ; Exposition à Francfort : 27 septembre 2003-29 février 2004. Exposition à Pittsburgh : Automne 2004. Cologne : DuMont, 2003.]

Il a transformé ces déchets éphémères en preuves dignes d'être examinées non seulement individuellement, mais aussi en contraste et en groupes, avec leur capsule, cellule ou cadre respectif, assortis d'une date concrète qui met en relief l'idée conceptuelle. On les perçoit comme un caractère kanji japonais composé d'un nombre fixe de traits dans un carré parfait. Ces capsules sont le fondement du langage personnel secret de Warhol. Lin dévoile un artiste cybernétique à la résonance pertinente au sein d'une matrice, à travers son interprétation de la série de peintures « The Shadows », qui revitalise l'œuvre de Warhol et lui redonne toute sa pertinence.

Nous sommes désormais des composants mécaniques interagissants complices dans un monde virtuel cybernétique planétaire de pensées, d'images et de sons. Andy s'était lui-même imaginé comme une entité électronique mécanique cybernétique, grandeur nature, tel un robot animatronique conçu pour accomplir tout ce que Warhol a accompli dans la vie. Ce robot est aujourd'hui préservé comme un fac-similé cybernétique de sa plus grande création, le personnage d'Andy Warhol lui-même.

Andy Warhol a prouvé l'idée que tout ce qui provient de notre moment résiduel éphémère pourrait être contenu et transfiguré en art et en relique en tant qu'artefacts précieux et qu'ils deviennent une partie de nos souvenirs collectifs dans chaque capsule temporelle est une vision encadrée de proportions métaphoriques épiques et résonnantes avec une myriade d'implications sur la fonction de l'art cybernétique, de la pensée et de la mémoire virtuelle collective.

« L’idée n’est pas de vivre éternellement… », a-t-il dit, « mais de créer quelque chose qui le fera. »

Donna De Salvo a déclaré : « …mais s'il y a une leçon à en tirer, et à en tirer des artistes présentés dans ce livre, c'est qu'un système est une construction humaine, donc faillible et imparfait. C'est pourquoi les artistes créent des “systèmes ouverts”. » [Burton, Johanna, Mark Benjamin Godfrey, Boris Groys et Donna De Salvo. Open Systems Rethinking Art C.1970. Londres : Tate Publishing, 2005.] Andy Warhol était un pionnier du multimédia cybernétique et son héritage reste d'actualité.

Andy Warhol et la cybernétique Notes :

Ascott, Roy. Art, technologie, conscience, Mind@large. Bristol : Intellect, 2000.

Art, Technologie, Conscience de l'Esprit en Général présente un ensemble de voix aux points de vue contrastés. Le groupe recherche l'harmonie et la compréhension de l'individu et de sa place dans l'univers. Ce collectif explore et découvre de nouvelles voies de perception pour comprendre notre raison d'être collective originelle. Il recherche un équilibre entre trois géographies – la biosphère, la technosphère et la neurosphère – et les perçoit comme superposées.

Dans le contexte de la technologie et de son omniprésence, l'ouvrage expose les théories récentes sur la conscience collective et son lien avec l'expérience subjective. La métaphore technologique qui imprègne l'œuvre est la matrice de l'art cybernétique. Elle réside en coulisses et structure le discours comme une pensée omnisciente et systémique.

Ascott, Roy et Edward Shanken. L'Étreinte télématique. Los Angeles : University of California Press, 2003.

Telematic Embrace est une ressource artistique utile, progressiste et visionnaire. Ascott et Shanken ont produit un ouvrage d'une grande richesse intellectuelle et d'une grande utilité créative. Ascott décrit sa vision immersive de l'avenir de l'art et de la technologie, évoluant du code brut vers des formes biologiques humides, où l'architecture est « ensemencée » plutôt que construite. Dans sa vision, l'artiste est un créateur de contextes propices à la transformation et aux grands changements de perception, et un facilitateur ouvert à tous dans l'entreprise de création de sens au sein des systèmes cybernétiques. Pour Ascott, l'artiste est à la fois un acteur interactif et un réalisateur.

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Je suis né à Monahans, au Texas. Nous avons déménagé en Arabie saoudite à l'âge de onze ans, alors que j'étais à l'école primaire.

À quinze ans, j'ai intégré l'Interlochen Arts Academy, un internat du Michigan, où j'ai suivi des études secondaires en arts visuels et en écriture créative. J'ai obtenu mon diplôme en 1987, l'hiver même où And

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Je suis né à Monahans, au Texas. Nous avons déménagé en Arabie saoudite à l'âge de onze ans, alors que j'étais à l'école primaire.

Je suis donc allé au College of Fine Arts de l'Université Carnegie Mellon à Pittsburgh, en Pennsylvanie.

J'ai obtenu mon diplôme de premier cycle à l'Université Carnegie Mellon en médias électroniques basés sur le temps et j'ai reçu mon diplôme en 1996.

De retour au Texas, j'ai obtenu ma certification d'enseignement artistique tous niveaux et j'ai enseigné pendant un an à Denver. Puis, en 1999, j'ai déménagé à Dallas où j'ai été embauché chez GTE comme graphiste débutant. J'y ai travaillé jusqu'en 2008.

J'ai obtenu mon master en arts et technologies à l'UTD. En 2015, j'ai également obtenu mon deuxième master en études de sculpture cybernétique à l'UTD.

En 1987, j'étais candidat au poste de boursier présidentiel, lorsque Ronald Reagan était président et lauréat du premier niveau du National Foundation for Advancement of the Arts Recognition and Talent Search.

Je figure dans le « Who's Who Among American High School Students » de l'édition 1987. Après de nombreuses années d'exploration de la peinture, du dessin, de la sculpture, de l'infographie et de la vidéo, j'ai finalement obtenu ma licence en beaux-arts à Carnegie Mellon, à Pittsburgh, en Pennsylvanie. J'ai obtenu mon diplôme en médias temporels électroniques en 1995.

Je suis rentré chez moi en 1996 et j'ai intégré l'Université d'État Sul Ross, où j'ai repris tous les cours de base que j'avais moins bien suivis à l'Université Carnegie Mellon. J'ai ainsi obtenu ma certification d'enseignement des arts visuels à vie pour tous les niveaux de l'État du Texas, de la maternelle à la terminale. J'ai enseigné l'art pendant un an au lycée, dans une petite ville près de Lubbock, au Texas.

C'était un rôle vraiment difficile pour moi et les enfants ont jeté des pierres sur ma petite Mustang argentée de 1998 et lorsque la vitre côté conducteur s'est écrasée sur moi, je suis simplement parti avec mon chèque de paie d'été en 1998 et j'ai emménagé avec ma sœur à North Dallas.

Le courrier électronique était encore tout nouveau. J'ai commencé à appeler tous ceux qui me venaient à l'esprit pour leur demander s'ils avaient un poste de graphiste débutant et une adresse e-mail.

J'ai finalement lancé une petite campagne de e-mailing pour trouver un emploi et j'ai contacté GTE et le département Spec Art de Susan Potter, situé sur Executive Drive à Irving, au Texas. J'ai été interviewé par Michelle Condra et, à la fin de la réunion, j'ai demandé :

« Quand puis-je commencer ? »

J'y ai travaillé lorsque nous sommes devenus Verizon et en 2004, j'ai été promu à la formation et à la documentation sur les méthodes et procédures graphiques et mon superviseur et responsable était Martha Elmali lorsque nous sommes devenus Idearc. Le département a été réduit à seulement moi et James Olivas, puis juste moi.

Ensuite, mon travail a été délocalisé en Inde, j'ai donc accepté le package et je suis allé travailler chez Barnes and Noble en tant que vendeur de livres, de liseuses numériques et de musique.

J'ai écrit un livre intitulé « The Lone Star State of Mind » (L'état d'esprit de l'étoile solitaire) sur mes expériences avec Idearc Media et mon amour pour la structure et l'emploi. J'ai obtenu mon master en arts et technologies à l'Université du Texas à Dallas en 2009.

J'ai été embauché peu de temps après l'obtention de mon diplôme à Texas A&M AgriLife Extension, sur l'avenue Coit et Campbell, comme assistant chef de bureau et comptable. J'y ai travaillé pendant trois ans, jusqu'en 2015. J'ai ensuite postulé à nouveau en Lettres et Sciences Humaines et je viens de terminer mon deuxième master, également à l'Université du Texas à Dallas.

J'ai une moyenne cumulative de 3,908 et je suis désormais membre, en tant qu'adulte, de la « International Golden Key Honor Society ».

J'ai visité Paris, Londres et New York à de nombreuses reprises. J'économise pour aller au Japon ; j'aime voyager. Je suis artiste, mais tout le monde l'est aussi maintenant ; c'est formidable, car chacun a aujourd'hui accès à une grande liberté de choix dans sa vie, même si beaucoup ne perçoivent pas leur liberté d'expression personnelle dans les limites de leur temps et de leur espace.

L'objectif de ma thèse est la matrice de l'art cybernétique et son application pour enseigner les compétences de visualisation, la créativité et l'innovation.

Mon parent, Kenneth Snelson, est un sculpteur récemment décédé. J'ai pu le rencontrer via Skype lors d'une présentation à l'UTD, dans le cadre d'un cours de doctorat en sciences de l'art, avec l'astrophysicien Roger Malina, qui animait le cours et avait même pris la navette spatiale de la NASA pour se rendre au laboratoire spatial dans le cadre de son expérience.

Le cours s'est bien déroulé. Nous avons réussi à enregistrer l'audio de notre réunion, mais la vidéo a échoué. L'œuvre de Kenneth Snelson se trouve à Washington DC, près du Hirschorn, surnommée la « Needle Tower ».

Il s'intéresse à la structure moléculaire et aux structures intimes de l'univers. Il était ami avec Buckminster Fuller et Isamu Noguchi, deux figures clés de mes recherches.

La matrice d'art cybernétique est un nom fantaisiste pour une grille qui permet de cartographier la géographie de l'imagination numériquement et temporellement et les traductions entre la poésie, le son et la sculpture.

En 2015, je suis revenu chez Thryv en tant que consultant web, puis je suis devenu rédacteur et j'ai terminé mon poste d'analyste qualité au sein de l'équipe offshore à Delhi, en Inde. Ils ont été formidables.

Mon bureau était à environ un mètre de l'endroit où je me trouvais lorsque j'étais en Méthodes et Procédures de Formation Graphique en 2008. Je crois profondément au karma et à la pensée positive. J'essaie de toujours me concentrer sur les interconnexions ; c'est précisément le sens de ma coiffure.

Je me sens tellement chanceuse de faire partie d'une entreprise aussi passionnante et de bénéficier de tant d'opportunités auxquelles d'autres n'ont pas accès, et j'en suis très reconnaissante. Avec le recul, c'est 2020.

En 2000, le leadership national de notre génération d'aînés aux États-Unis a trahi de manière inadmissible les voix de ma génération. Notre choix de leadership a été usurpé, et au lieu de cela, le 1 % a permis à George Bush de prendre la tête de mon pays en tant que président des États-Unis nommé arbitrairement. Lorsque notre choix populaire et nos voix nationales ont été réduits au silence au profit d'un système archaïque fondé sur l'immobilier, la géographie et l'engourdissement de la notion perverse de fausses inégalités entre les zones rurales et les régions du centre du pays, non seulement cela, mais vous avez ensuite tenté de normaliser avec succès ce vol et cette castration de mes votes et de mes voix, ainsi que de ceux de mes concitoyens, parmi les 99 % les plus pauvres.

Ce jour-là, à cet instant précis, c'est précisément là que la musique est morte pour moi, et que je vous ai vu saboter, truquer et voler ma foi en notre soi-disant démocratie. Mon rêve américain s'est effacé, évaporé et s'est rapidement évanoui. Alors que les actionnaires de Haliburton, qui ont un intérêt profondément ancré dans les combustibles fossiles et la cupidité au détriment de tous les types de santé, non seulement de la biosphère, de l'environnement, mais aussi de l'aversion au détriment du bien-être physique, mental et spirituel des électeurs que vous facturez au prix fort, non pas pour les soutenir en retour en tant que gouvernement, mais pour construire votre pouvoir en tant que leader de l'industrie de l'armement et la propulsion d'un contrôle aveugle du marché, un système fiscal déséquilibré et injuste en faveur du 1% lors de la crucifixion torturée des 99% inférieurs de la classe ouvrière avec une mythologie secrète de l'esclavage comme le changement d'heure d'été continu conçu pour perturber le flux de l'homme ordinaire et le prendre au dépourvu, comme dérivé de l'époque où vous maximisiez la lumière du jour pour cueillir le plus de coton, une seule autre notion mythique cruelle de l'esclavage propulsée en avant et contrôlant l'opinion populaire alimentée par des sources réputées et académiquement bien informées sur lesquelles la culture de masse des États-Unis peut compter pour la vérité comme Fox News qui guidera leur pensée par les médias hystériques basés sur le profit et pervertis la culture populaire du « regarde-moi ».

À cette époque, les Coréens étaient en visite ici et ont osé dire :

« Dans notre pays, celui qui obtient le plus de voix gagne. »

Regardez autour de vous et prenez conscience du fait indéniable qu'ils ont tellement mal géré notre budget qu'ils ne peuvent pas se permettre de payer vos prestations de sécurité sociale. Ils utilisent donc à nouveau un virus et le présentent faussement comme un acte de Dieu afin de renoncer à leur responsabilité envers nous.

Utiliser le virus comme arme génocidaire pour contourner leur contrat de remboursement de l'investissement que nous avons chacun investi en travaillant pour le gouvernement, afin de financer la défense selon laquelle ils nous ont tous imposés de manière injuste et inadmissible, compte tenu du pourcentage disproportionnément inférieur que paient réellement les 1 %. Un pourcentage extrêmement injuste, biaisé et truqué, découlant de leur privilège de ne pas payer leur juste part d'impôt sur le revenu.

Tandis que les 99 % restants et les terribles recoins de désespoir où les super-riches ont délibérément marginalisé le reste de la population, ils ont l'audace de nous accuser de grossesses non protégées et sans éducation et de la perversion des soins de santé préventifs comme le Planning familial.

Planification familiale

encore

Planification familiale.

Pourriez-vous vraiment réfléchir à ces deux mots ?

Ainsi, lorsque les urbanistes et les ingénieurs civils ont planifié cet endroit, vous avez délibérément marginalisé les personnes de couleur, sans formation professionnelle, sans éducation, ni possibilité de revenus légaux lorsqu'elles se tournent vers le crime et le trafic de drogue, faute d'autres options dans ce jeu vidéo centré sur les médias victimaires, une culture de narcissisme monochrome xénophobe et dénuée de toute conscience mondiale. De plus, souvent, seuls deux fuseaux horaires, au lieu des quatre, sont omis. Un endroit où les principales activités et industries du pays sont aujourd'hui les armes et les prisons. Avec le recul, on se retrouve en 2020.

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